Spielbergs 'A.I.' neu bewertet: Mängel treten im KI-Boom hervor

Vierundzwanzig Jahre nach seinem Debüt bietet Steven Spielbergs A.I.: Künstliche Intelligenz ein faszinierendes, wenn auch manchmal verwirrendes Seherlebnis. Im Jahr 2001 veröffentlicht, als Künstliche Intelligenz weitgehend auf spekulative Fiktion und aufkeimende akademische Forschung beschränkt war, konfrontiert der Film nun ein Publikum, das täglich über Chatbots, generative Algorithmen und autonome Systeme spricht. Man könnte eine tiefgreifende Perspektivverschiebung, eine neue Ebene der Einsicht erwarten. Doch trotz all seiner Weitsicht schwächelt die Erzählung des Films, seine Erkundung der titelgebenden Technologie wird oft von einer Geschichte überschattet, die mit ihrer eigenen Identität ringt und Mängel deutlicher denn je offenbart, selbst wenn seine imaginierte Welt immer vertrauter wird.

Der Film, der auf einer Kurzgeschichte von Brian Aldiss basiert und maßgeblich durch die frühere Entwicklungsarbeit des verstorbenen Stanley Kubrick geprägt wurde, spielt in einer unbestimmten Zukunft, in der der Klimawandel Küstenstädte überflutet hat, Ressourcen knapp und Roboter unverzichtbar gemacht hat. Vor diesem Hintergrund stellt sich der Erfinder Allen Hobby, dargestellt von William Hurt, den nächsten Evolutionsschritt vor: einen künstlich intelligenten Kinderroboter, der zu echter Liebe fähig ist. Er glaubt, dies mit David, gespielt von Haley Joel Osment, erreicht zu haben, einem Prototyp, der darauf ausgelegt ist, sich einem Elternteil mit unerschütterlicher Hingabe einzuprägen und zu lieben.

Der erste Akt führt David bei Monica (Frances O’Connor) und Henry (Sam Robards) ein, deren eigener Sohn Martin im fünfjährigen Koma liegt. David wird als potenzieller Ersatz in ihr Zuhause geholt, und seine frühen Interaktionen sind unbestreitbar beunruhigend. Er ist seltsam, fast unheimlich, es fehlt ihm an menschlichen Nuancen. Monicas Entscheidung, ihn „einzuprägen“ und damit seine Fähigkeit zur irreversiblen Liebe zu aktivieren, wirkt abrupt. Diese Irreversibilität, ein Kernprinzip von Davids Programmierung, sticht aus heutiger Sicht als signifikanter Designfehler hervor. Die Vorstellung, dass ein hochentwickelter Roboter nicht neu programmiert werden kann, sondern stattdessen zerstört werden muss, wenn er unerwünscht ist, strapaziert die Glaubwürdigkeit. Darüber hinaus scheint die Attraktivität eines Kindes, das niemals wächst, niemals über einen festen Zustand ewiger Kindheit hinausgeht, dem Wesen der menschlichen Elternglückseligkeit zu widersprechen. Davids unerschütterliche, programmierte Zuneigung, obwohl zentral für die Handlung, nimmt eine fast horrorgetönte Qualität an, eine beunruhigende Intensität, die zwei Jahrzehnte später noch ausgeprägter wirkt.

Als Martin auf wundersame Weise genesen ist, entsteht eine Rivalität zwischen den beiden Kindern. In einem Moment krasser Grausamkeit setzt Monica David im Wald aus, anstatt ihn zur Zerstörung zurückzugeben. Dieser Akt der Verlassenheit ist zutiefst verstörend und hinterlässt beim Publikum ein unauslöschliches Gefühl von Monicas Gefühlskälte und tiefes Mitgefühl für Davids Notlage. Von diesem Punkt an schlägt der Film eine breitere, surrealere Odyssee ein. David trifft auf Gigolo Joe (Jude Law), einen empfindungsfähigen Sexroboter, der paradoxerweise mehr emotionale Tiefe und Menschlichkeit als David selbst aufweist, sowie Davids treuen Low-Tech-Begleiter Teddy. Ihre Reise durchquert eine Welt, die mit der Integration von Maschinen ringt, oszillierend zwischen offener Abscheu, veranschaulicht durch die brutale „Fleisch-Messe“, wo Roboter zur Unterhaltung zerstört werden, und ungezügelter Umarmung, wie in der KI-zentrierten „Schurkenstadt“ zu sehen. Während diese Schauplätze faszinierende Einblicke in gesellschaftliche Reaktionen auf fortschrittliche Technologie bieten, berührt der Film oft tiefgreifende Konzepte, ohne sie vollständig zu erforschen, was ein Gefühl ungenutzten Potenzials hinterlässt. Joes ergreifender Monolog über das menschliche Misstrauen gegenüber Technologie gerät beispielsweise schnell inmitten des visuellen Spektakels in Vergessenheit.

Eine Szene jedoch resoniert in der modernen Ära mit erstaunlicher Genauigkeit: Davids und Joes Besuch bei „Dr. Know“, einem KI-gestützten Albert-Einstein-Avatar, gesprochen von Robin Williams, der auf das gesamte menschliche Wissen zugreifen kann, um jede Frage zu beantworten. Dieses Konzept, im Wesentlichen eine hochentwickelte Version zeitgenössischer generativer KI wie ChatGPT, wird als bloße Attraktion in einem Einkaufszentrum dargestellt, was hervorhebt, wie alltäglich solche Technologien in einer Zukunft werden könnten, in der KI vollständig monetarisiert und integriert wurde. Doch dieses vorausschauende Detail steht in scharfem Kontrast zu Davids eigenen intellektuellen Einschränkungen. Obwohl er der fortschrittlichste Roboter der Welt ist, behält er den Verstand und die Emotionen eines kleinen Kindes, unfähig zu begreifen, dass Pinocchio eine fiktive Geschichte ist, geschweige denn sich über seine ursprüngliche Programmierung hinaus zu entwickeln. Diese Diskrepanz zwischen seiner technologischen Raffinesse und seiner mentalen Entwicklungsverzögerung lässt das Publikum sein wahres Potenzial und seinen Zweck hinterfragen.

Die Erzählung nimmt eine weitere merkwürdige Wendung, als David schließlich seinen Schöpfer Hobby findet, der offenbart, dass er Davids Reise subtil inszeniert hat. Dies wirkt erzählerisch erzwungen, führt aber zu einer entscheidenden Offenbarung: David ist der erste Roboter, der seine Träume wirklich verfolgt, angetrieben von Selbstmotivation und nicht von menschlicher Programmierung. Es ist ein faszinierendes Konzept, das reif für eine tiefere Erforschung wäre, doch es wird sofort beiseitegeschoben, da David seine Suche nach der mythischen Blauen Fee fortsetzt, in dem Glauben, sie könne ihn in einen „echten Jungen“ verwandeln.

Das Ende des Films, oft vergessen oder falsch erinnert, fügt eine weitere Ebene der Komplexität hinzu. Nachdem David seine „Blaue Fee“ scheinbar in einer untergetauchten Coney Island-Attraktion gefunden hat, springt die Geschichte 2000 Jahre in die Zukunft. Die Menschheit ist untergegangen, und fortgeschrittene Außerirdische entdecken David im Eis eingefroren. Um ihm Glück zu schenken, erwecken sie Monica für einen einzigen, flüchtigen Tag zum Leben. Dieser berührende, wenn auch willkürliche Abschluss verschiebt die ultimative Botschaft des Films weg von den Feinheiten der künstlichen Intelligenz und fest hin zur dauerhaften Kraft menschlicher Liebe und Emotionen. Der Titel des Films, A.I., wird in diesem Kontext weniger zu einer Aussage über die Technologie selbst, sondern mehr zu einem Kommentar über die inhärenten Qualitäten, die wir als Menschen oft für selbstverständlich halten.

Letztendlich erweist sich A.I.: Künstliche Intelligenz heute als eine chaotische, manchmal enttäuschende Erfahrung, ein starker Kontrast zu seinem anfänglichen tiefgreifenden Einfluss. Während Geniestreiche seine konzeptuelle Landschaft erhellen, verhindern seine narrativen Inkonsistenzen und unterentwickelten thematischen Erkundungen, dass er sein volles Potenzial ausschöpft. Dennoch, da die Welt des Films der Realität immer näher kommt, bleibt seine Fähigkeit zur Rekontextualisierung grenzenlos und verspricht zukünftige Interpretationen, während die KI ihren unerbittlichen Marsch in unser Leben fortsetzt.