'A.I.' de Spielberg: Les failles révélées par le boom de l'IA moderne

Vingt-quatre ans après ses débuts, A.I. : Intelligence Artificielle de Steven Spielberg offre une expérience de visionnage fascinante, parfois déroutante. Sorti en 2001, à une époque où l’intelligence artificielle était largement confinée à la science-fiction spéculative et à la recherche universitaire naissante, le film confronte aujourd’hui un public immergé dans des conversations quotidiennes sur les chatbots, les algorithmes génératifs et les systèmes autonomes. On pourrait s’attendre à un profond changement de perspective, à une nouvelle couche de perspicacité. Pourtant, malgré toute sa prescience, le récit du film flanche, son exploration de la technologie éponyme étant souvent éclipsée par une histoire qui peine à trouver sa propre identité, révélant ses défauts plus clairement que jamais, même si son monde imaginé devient de plus en plus familier.

Le film, enraciné dans une nouvelle de Brian Aldiss et significativement façonné par le travail de développement antérieur du regretté Stanley Kubrick, se déroule dans un futur indéterminé où le changement climatique a submergé les villes côtières, rendant les ressources rares et les robots indispensables. Dans ce contexte, l’inventeur Allen Hobby, interprété par William Hurt, envisage la prochaine étape évolutive : un enfant robot doté d’une intelligence artificielle capable d’un amour véritable. Il croit avoir réalisé cela avec David, interprété par Haley Joel Osment, un prototype conçu pour s’imprégner d’un parent et l’aimer avec une dévotion inébranlable.

Le premier acte introduit David à Monica (Frances O’Connor) et Henry (Sam Robards), dont le propre fils, Martin, est dans le coma depuis cinq ans. David est amené dans leur foyer comme un potentiel remplaçant, et ses premières interactions sont indéniablement troublantes. Il est étrange, presque inquiétant, manquant de nuances humaines. La décision de Monica de « s’imprégner » de lui, activant ainsi sa capacité d’amour irréversible, semble abrupte. Cette irréversibilité, un principe fondamental de la programmation de David, apparaît aujourd’hui comme un défaut de conception significatif. L’idée qu’un robot très avancé ne puisse pas être reprogrammé, mais doive plutôt être détruit s’il n’est pas désiré, met à rude épreuve la crédulité. De plus, l’attrait d’un enfant qui ne grandit jamais, n’évolue jamais au-delà d’un état fixe d’enfance perpétuelle, semble contredire l’essence même de la joie de la parentalité humaine. L’affection inébranlable et programmée de David, bien que centrale à l’intrigue, prend une qualité presque teintée d’horreur, une intensité troublante qui semble encore plus prononcée deux décennies plus tard.

Lorsque Martin se rétablit miraculeusement, une rivalité éclate entre les deux enfants. Dans un moment de cruauté frappante, Monica abandonne David dans les bois plutôt que de le renvoyer pour destruction. Cet acte d’abandon est profondément perturbant, laissant le public avec un sentiment indélébile de l’insensibilité de Monica et une profonde empathie pour la situation de David. À partir de ce moment, le film dévie vers une odyssée plus large et plus surréaliste. David rencontre Gigolo Joe (Jude Law), un robot sexuel sentient qui, paradoxalement, fait preuve de plus de profondeur émotionnelle et d’humanité que David lui-même, aux côtés du fidèle compagnon de David, Teddy, un robot de basse technologie. Leur voyage traverse un monde aux prises avec l’intégration des machines, oscillant entre une répulsion totale, exemplifiée par la brutale “Foire de la Chair” où les robots sont détruits pour le divertissement, et une acceptation débridée, comme on le voit dans la “Ville Rogue” centrée sur l’IA. Bien que ces décors offrent des aperçus intrigants des réactions sociétales à la technologie avancée, le film aborde souvent des concepts profonds sans les explorer pleinement, laissant un sentiment de potentiel inexploité. Le monologue poignant de Joe sur la méfiance humaine envers la technologie, par exemple, est rapidement oublié au milieu du spectacle visuel.

Une scène, cependant, résonne avec une précision étonnante à l’ère moderne : la visite de David et Joe au « Dr. Savoir », un avatar d’Albert Einstein alimenté par l’IA et doublé par Robin Williams, capable d’accéder à toutes les connaissances humaines pour répondre à n’importe quelle question. Ce concept, essentiellement une version très avancée de l’IA générative contemporaine comme ChatGPT, est dépeint comme une simple attraction de centre commercial, soulignant à quel point une telle technologie pourrait devenir courante dans un futur où l’IA a été entièrement monétisée et intégrée. Pourtant, ce détail prémonitoire contraste fortement avec les propres limitations intellectuelles de David. Bien qu’il soit le robot le plus avancé du monde, il conserve l’esprit et les émotions d’un petit enfant, incapable de comprendre que Pinocchio est une histoire fictive, et encore moins d’évoluer au-delà de sa programmation initiale. Cette déconnexion entre sa sophistication technologique et son développement mental arrêté laisse le public s’interroger sur son véritable potentiel et son but.

Le récit prend un autre tournant curieux lorsque David retrouve enfin son créateur, Hobby, qui révèle qu’il a subtilement orchestré le voyage de David. Cela semble narrativement forcé mais mène à une révélation cruciale : David est le premier robot à poursuivre véritablement ses rêves, motivé par l’auto-motivation plutôt que par la programmation humaine. C’est un concept fascinant, mûr pour une exploration plus approfondie, mais il est immédiatement mis de côté alors que David continue sa quête de la mythique Fée Bleue, croyant qu’elle peut le transformer en un “vrai garçon”.

La fin du film, souvent oubliée ou mal comprise, ajoute une autre couche de complexité. Après que David ait apparemment trouvé sa “Fée Bleue” dans une attraction submergée de Coney Island, l’histoire fait un bond de 2000 ans dans le futur. L’humanité a péri, et des extraterrestres avancés découvrent David gelé dans la glace. Pour lui accorder le bonheur, ils ressuscitent Monica pour une seule et fugace journée. Cette conclusion touchante, bien qu’arbitraire, déplace le message ultime du film des subtilités de l’intelligence artificielle vers le pouvoir durable de l’amour et de l’émotion humaine. Le titre du film, A.I., dans ce contexte, devient moins une question de technologie elle-même et plus un commentaire sur les qualités inhérentes que nous tenons souvent pour acquises en tant qu’humains.

En fin de compte, A.I. : Intelligence Artificielle s’avère être une expérience désordonnée, parfois décevante aujourd’hui, un contraste frappant avec son impact profond initial. Si des éclairs de génie illuminent son paysage conceptuel, ses incohérences narratives et ses explorations thématiques sous-développées l’empêchent de réaliser pleinement son potentiel. Néanmoins, à mesure que le monde du film se rapproche de la réalité, sa capacité de recontextualisation reste illimitée, promettant de futures interprétations à mesure que l’IA poursuit sa marche implacable dans nos vies.